クリス・ベイヤー、Photos in Black, White and Gray

クリス・ベイヤー(Chris Byars, 1970 -)はニューヨークをベースに活動するジャズサックス奏者、アレンジヤー、コンポーザーである。とりわけ1990年代の半ば以降、グリニッジビレッジから活動の場を拡大し続けるベイヤーだが、音楽家の家庭に育った彼のキャリアは長く、子供時代にはメトロポリタンオペラでシンガーを務めていたこともあると言う。彼は主流派の流れを尊重しながら新たな創作を試みるタイプのミュージシャンで、よくあるフュージョンやアンダーグラウンド、あるいはニューフリーといわれるジャズへの傾倒は見られない。

「Photos in Black, White and Gray」は、そうしたベイヤーのスタイルをストレートに反映するアルバムだ。シンプルで軽快なハード・バップのリズムに乗せた各曲だが、そこには現代の響きが加味されている。彼は自筆のライナーノーツに、「メロディーを自然に創造し、リズミカルにそのときの感情を表現しながら、この今という瞬間に概念をもって存在するという比類なく個性的な活動であり、その将来性が失われることは決してない」と記しているが、そうした彼のジャズに対する絶賛をこのアルバムは具体化する。

アルバムのタイトル、「Photos In Black, White and Gray」は、ライナーノーツを締め括る「For inspiration, I look to... Jimmy Lovelace, who wore only black, white and gray.」という一節からとられているようだ。ジミー・ラブレス(Jimmy Lovelace, 1940 - 2004)は、一見古風でモノトーンなジャズを愛する名ドラマーだった。

ベイヤーは翌年発表したアルバムで、彼の語彙を広げている。それはさながらジャズ版「展覧会の絵」と言う様相のアルバムで、「Jazz Pictures at an Exhibition of Himalayan Art」というそのタイトルが示すように、標題音楽として様々な展示品の印象が各楽器の即興で語られる。演奏もさることながら、彼のアレンジャーとしての力量がいかんなく発揮されたアルバムで、ジャズを絶対音楽としてとらえた前作と好対照をなしている。両作品とも、発売元はスモールズ(Smalls)。

Photos in Black, White and Gray: Chris Byars (Tenor Sax、Alto Sax、Soprano Sax), Sacha Perry (Piano), Ari Roland (Bass), Andy Watson (Drums)

  1. Aquarian Epoch
  2. Milton
  3. Safe at Home
  4. Acoustic Phenomenon
  5. Manhattan Valley
  6. Cliff Diving
  7. Riddle of the Sphinx
  8. A.T.

Jazz Pictures at an Exhibition of Himalayan Art (2008): Chris Byars (Tenor Sax, Alto Sax, Soprano Sax, Flute), John Mosca (Trombone), James Byars (Oboe, English Horn), Ari Roland (Bass), Stefan Schatz (Drums)

  1. Better to See You
  2. Tonpa Shenrab
  3. Blues Under the Boddhi Tree
  4. Buddha Shakyamuni
  5. Arhat
  6. Chakrasamvara
  7. Rahula
  8. Just Ask
  9. Whispered Tradition

サシャ・ペリー(Sacha Perry)、The Third Time Around

1993年、ニューヨークのグリニッジ・ヴィレッジのとあるビルの地階に「Smalls」という名のジャズクラブがオープンした。50席という小さなクラブだったが、充実したプログラムで多くの聴衆を惹き付けた。ブラッド・メルドー(Brad Mehldau)、ジョシュア・レッドマン(Joshua Redman)、ギレルモ・クライン(Guillermo Klein)等、今ではメジャーになった多くのミュージシャンもここでの演奏経験を積んでいる。一見順風満帆なスモールズだったが、徐々に経営上の問題が浮上しはじめ、そこにあの9.11として語り継がれるテロが追い討ちをかけ、閉鎖を余儀なくされる。しかしその後もミュージシャン、聴衆双方からの閉鎖を惜しむ声が鳴り止まず、2007年になり有志によって新装「Smalls」として再開され、現在に至る。

この再開前のオリジナルのハウスは、スモールズ・レコード(Smalls Records)というジャズレーベルを擁していた。カタログはスタートは2003年で、「We Loved You」と題されたフランク・ヒューイット(Frank Hewitt、1935 - 2002)のアルバムがその最初に記されている。ヒューイットは1988年、主に黒人文化流布の制限を念頭にして1926年に発布されたキャバレー法(The Cabaret Laws)が廃止されるまで、「Smalls」を含むアンダーグランウンドで根気よく活動し続けた伝説的なジャズピアニストである。ヒューイットにはアルバムがなく、晩年になりようやくスモールズ・レコードがその制作に着手したのだが、彼は発表を前に他界した。ヒューイットの例にも象徴されるように、スモールズ・レコードはニューヨークの域外では未だに無名だが実力派のミュージシャンを多くカタログに取り入れている。まさにニューヨークの有様を表象するかのようなカタログで、そこでは現代のジャズにおける可能性がクロスジャンル的に模索されている。

さまざまな意味において聴き応えのあるアルバムが多いスモールズ・レコードだが、ここではヒューイットにちなみ、伝統的なバップに傾倒するピアニスト、サシャ・ペリー(Sacha Perry)のアルバムをとりあげる。ペリーは「Smalls」クラブの常連でもあるが、それが語るように、本来「Smalls」ではバップがよく演奏されていたようだ。

ジャズにおける最も顕著な歴史的発達は、スイングからバップ、モードへと至るそのインプロヴィゼーションの進化過程の中に刻印されている。ジャズ特有のコード進行上に組み立てられるメロディーが、ハーモニーの束縛からいかに開放されてゆくのかを記すその過程の中において、バップは最も複雑にコード進行とメロディーラインとが絡み合う、メカニカルの極地を表現した。その複雑さとは即興における束縛を意味するが、ジャズの構造はそれをピークとして急速に単純化され、引きかえに多様化するリズムがジャズを新たな段階へと導いて行った。社会の自由化の波にも並行するジャズの進化進過の中で、バップの消滅の度合いは新しさのバロメーターとなり、一旦その姿は失われてゆく。

歴史は一応の進化を終えると、その最も象徴的な部分へと回帰する。ジャズも同様で、今日もはや懐古主義は罪悪とはみなされず、多様なスタイルの一つとして自然に受け入れられている。しかしある意味において、そのような受容はジャズの弱体化と受け止めることもできるだろう。

サシャ・ペリー(Sacha Perry)は、彼特有のバップに傾倒するスタイルから、バド・パウエル等との比較において論じられることが少なくない。ペリーはジャーナリズムに対してとりわけ寡黙な演奏家で、その頑なな姿勢から彼の音楽理念を浮かび上がらせるのは困難だ。だがその演奏には、ジャズにおける軽薄な革新に対する疑念とともに、ヒューイットにも見られたような、ニューヨークのそれに特徴的な独特の社会性や精神性と相通じる質感が存在する。真摯な中にもユーモアの漂う、まさに現代に引き継がれたバップの典型的な姿が、彼のアルバムには記録されている。

The Third Time Around (2007): Sacha Perry (Piano), Ari Roland (Bass), Phil Stewart (Drums)

  1. Leea
  2. Monkey and Dog
  3. Incident at D
  4. Farewell Brother
  5. Chuckleheads
  6. Time's Up
  7. Noctambule

エリアーヌ・ラディーグ(Eliane Radigue)、Trilogie De La Mort

エリアーヌ・ラディーグは1932年にパリで生まれた電子音楽の作曲家である。ピアノを習得し作曲も行うラディーグだが、1950年代初頭にピエール・シェフェール(Pierre Schaeffer、1910 - 1995)の作品に出会い、「Studio d'Essai at the RTF」でシェフェールやピエール・アンリ(Pierre Henry、1927 -)のもとで電子音楽を学ぶようになる。1960年代の前半にはアンリの助手として彼の作品を下支えしていたが、1960年代の後半からは自ら電子音楽の作曲を始め、渡米後の1970年頃からはニューヨーク大学を拠点にアープシンセサイザーにテープループやマイクロフォンフィードバックを加えた作品を発表し、注目を浴びるようになる。以降アープを愛用してきたが、作品「Elemental II」を最後に、2004年以降はそれから離れ、アコースティック楽器に演奏を委ねているようだ。ちなみに、ラディーグは1953年に著名な美術家のアルマン(Arman、Armand Pierre Fernandez、1928 - 2005)と結婚し三人の子供をもうけたが、1971年に離婚している。

ラディーグの作品は一般的にドローンと呼ばれる現代音楽に位置づけられる。インド等の民族音楽ではバックに持続音が奏されるのだが、これがドローンで、西欧バロック音楽における通奏低音等とは全く異なるものである。この分野ではミニマル音楽のパイオニアとしても知られるアメリカの作曲家、ラ・モンテ・ヤング(La Monte Young、1935 -)の作品が有名だが、それとは趣きを異にする彼女の作品には、無機的な瞑想感のなかに宗教的な静寂さが漂う柔和な質感を持つ作品が数多い。これには彼女が使用する「ARP-2500」独特の音色と共に、渡米後に出会ったチベット仏教に対する興味が大きく関与している。彼女の宗教への思いは深く、1975年以降の4年間はチベット仏教に埋没し音楽活動も一時停止するに至るのだが、復帰してからはそうした宗教体験をモチーフにしたスケールの大きな作品を発表し続けた。そして、その代表作のひとつが「Trilogie De La Mort」である。

「Trilogie De La Mort」は「チベットの死者の書」をベースに作曲された三部作で、各曲は「Kyema」、「Kailasha」、「Koume」と題されている。それぞれ1988、1991、1993年に作曲されたようだが、アルバムには「Kyema」の完成年が1994年と記載されている。三部作が揃ってアルバムとして発表されたのは1998年である。

第一部にあたる「Kyema」は、この三部作における理論的かつ文学的な意味合いを表象する部分として、「チベットの死者の書」における「バルド・トエ・ドル・チェンモ(Bardo Thodol)」に基づき作曲されている。バルド・トエ・ドル・チェンモとは、臨終の際に聞かせる枕経のことで、これが死者の魂を回脱へと誘導する。続く「Kailasha」は、ヒマラヤの聖峰カイラス(カイラーシャ)山への想像上の巡礼をテーマにしている。このカイラス山は未踏の聖峰だが、ラディーグに影響を与え作品にもされている修行僧ミラレパ(ミラ・シェパ・ドルジェ、1052 - 1135)によって極められたという伝説が残されている。そして、三部作最後を飾る「Koume」は、生と死との二項対立を越えた、生に対する死の超越的な力を作品化したもので、そこではバルドゥ(中有)からの魂の回脱への葛藤、成仏するにせよ、転生するにせよ、新たな始まりが確約される場が表現されている。

背後に流れるノイズのような持続音の上に様々な音の断片が、消えかけた記憶の痕跡であるかのごとくコラージュされてゆくのがラディーグの作品に共通した特徴で、初期の作品からこのスタイルに大きな変化は見られない。だが、彼女が仏教の洗礼を受けた後、1979年以降の作品からは、ドローンという電子音楽形式の探求というよりも、それを用いた思考の表現へと舵が切られた様子が聴き取れる。ドローンを音楽としては認めがたいと感じる聴き手がいる一方で、ここには普段われわれが聴く音楽がいかに装飾的で、自己充足的なものであるのかを知らしめる啓示ともとれるメッセージが存在するのも確かである。ドローンにおいては音楽独特の時間感覚は日常のそれへと差し戻され、人工的に作られたメロディーが空間を支配するのではなく、空間、あるいは聴き手の感覚が音楽を支配するという逆転現象が見て取れる。こうした逆転は、芸術の制度や階差に対する暗黙の挑戦として受け取ることもできるだろう。

Trilogie De La Mort

  1. Kyema
  2. Kailasha
  3. Koum

ミルトン・バビット(Milton Babbitt)、An Elizabethan Sextette

アルノルト・シェーンベルク (Arnold Schonberg、1874 - 1951) の音楽、例えば一連のピアノ曲を聴いていると、その冷徹な十二音技法はここでもう完成の域に達しているように、またそうであるがゆえに袋小路に迷い込んでいるようにも聴こえてくる。しかし十二音技法はこれで終わるわけではなく、そこにはまだ更なる発展の余地が残されていた。

ミルトン・バビット(Milton Babbitt、1916 - 2011)はフィラデルフィア出身のアメリカの作曲家で、セリー音楽の発明、発展に寄与した人物として知られている。バビットはシェーンベルクの十二音技法をさらに拡張し、細部に至るまでのすべての音素材を組み込むことで、トータル・セリアリズムを確立した。その技法はピエール・ブーレーズ(Pierre Boulez、1925 -)等へと引き継がれ、更なる発展を遂げることになる。

トータル・セリアリズムと銘打つバビットの音楽は技巧的で、比較的地味な数学的ともいえる難解な曲が多い。セリー音楽の特性に加えてこのような事情が、名声の割には市場に出回る優れたアルバムの数を少なくしているようだ。

「MILTON BABBITT: An Elizabethan Sextette」と題されたこのアルバムには、1957年から1984年の間に作曲された種々の編成による小規模な室内楽曲が全部で8曲収められている。冒頭のタイトルにもなっている合唱曲から、Alan Feinbergが演奏する5曲のピアノソロと室内楽曲をはさんで、アルバムは「Vision and Prayer」というシンセサイザーを用いた声楽曲で締めくくられる。この「Vision and Prayer」はディラン・トマス(Dylan Thomas、1914 - 1953)の詩に作曲したシンプルな小品で、女声のレチタティーヴォにシンセサイザーを絡ませながら、詩が淡々と読み上げられてゆく。シェーンベルクの「月に憑かれたピエロ」やブーレーズの「プリ・スロン・プリ」を彷彿とさせる、独特な趣を持った作品だ。

An Elizabethan Sextette

  1. An Elizabethan Sextette for six-part women's chorus (1979)
  2. Minute Waltz (or 3/4 ± 1/8) for piano (1977)
  3. Partitions for piano (1957)
  4. It Takes Twelve to Tango for piano (1984)
  5. Playing for Time for piano (1977)
  6. About Time for piano (1982)
  7. Groupwise for flautist and four instruments (1983)
  8. Vision and Prayer for soprano and synthesized tape, setting of a poem by Dylan Thomas (1961)

Dylan Thomas: Vision and Prayer

Who
Are you
Who is born
In the next room
So loud to my own
That I can hear the womb
Opening and the dark run
Over the ghost and the dropped son
Behind the wall thin as a wren's bone?
In the birth bloody room unknown
To the burn and turn of time
And the heart print of man
Bows no baptism
But dark alone
Blessing on
The wild
Child.

ペーター・ルジツカ(Peter Ruzicka)、弦楽四重奏曲集

ペーター・ルジツカ(Peter Ruzicka、1948 -)は指揮や教育をはじめとして、オーガナイザーとしても活躍する現代ドイツを代表する作曲家のひとりである。彼はHamburg Conservatoryでピアノ、オーボエと作曲を、ハンス・ヴェルナー・ヘンツェ(Hans Werner Henze、1926 - 2012)とハンス・オッテ(Hans Otte、1926 - 2007)に作曲を学んだ。加えてミュンヘン、ハンブルクそしてベルリンで音楽学と法律を学び、博士号を取得している。ルジツカは1996年にヘンツェを引き継いでミュンヘンビエンナーレの芸術監督に就任し、2002年から2005年までのあいだはザルツブルグ音楽祭の芸術監督を務め、様々な話題とともに同音楽祭の革新にも寄与した。独奏曲の小品からシンフォニーやオペラに至るまで多岐にわたるルジツカの作品は、音楽史的伝統を尊重しつつ、流行としての現代音楽からは一定の距離を置く彼の姿勢によって支えられている。

そのように多彩なルジツカの作品群の中から、このアルバムでは5曲の弦楽四重奏曲が選ばれている。「Introspezione」と「"...fragment..."」が1970年、「Klangschatten」が1991年、「"...uber ein Verschwinden"」が1992年、そして「"...sich verlierend"」が1996年の作品で、朗読を伴う「"...sich verlierend"」では、ディートリヒ・フィッシャー=ディースカウ(Dietrich Fischer-Dieskau、1925 - 2012)がその役割を演じている。

ルジツカの弦楽四重奏曲はアントン・ヴェーベルン(Anton Webern、1883 - 1945)の楽曲や、特にパウル・ツェラン(Paul Celan、1920 - 1970)の詩作品との関連性が指摘される。ツェランは言語形態をその痕跡へと極限にまで縮小、還元しつつ、自身の存在から自身を描き出したといわれるドイツ系ユダヤ人の詩人である。「"...fragment..."」はツェランへのレクイエムで、死に関する思索を音楽として再現したものだが、それから約20年の時を経て作曲された消滅がテーマとなる「"...uber ein Verschwinden"」以降の作品でも、こうした終末論的視点が継承されている。ルジツカにとって消滅は重要な意味を持つのだが、彼の弦楽四重奏曲においては、音楽聴取の限界点を探りながら、過去の記憶の痕跡と現在との葛藤が描き出されている。ルジツカの、とりわけ比較的初期の作品の特徴のひとつに「作業途上」という概念があるが、こうした葛藤の体現が作品の完成形を拒むようである。

String Quartets: Arditti Qt

  1. "...uber ein Verschwinden"
  2. Klangschatten
  3. "...fragment..." Five Epigram For String Quartet
  4. Introspezione - Documentation For String Quartet
  5. "...sich verlierend" For String Quartet And Spoken Word
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